Paeonia Daunica (Plate 9) by Pierre Joseph Redouté, 1813
Œuvre d’art authentique
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Restaurée dans notre atelier londonien à partir de l’œuvre originale de 1813 et imprimée en qualité musée. Description complète
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Restauré à Londres • Imprimé et encadré en Australia
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Pierre Joseph Redouté’s Plate 09 from Description des plantes rares cultivées à Malmaison et à Navarre, dated 1813, presents a cultivated botanical...
Continuer la lecturePierre Joseph Redouté’s Plate 09 from Description des plantes rares cultivées à Malmaison et à Navarre, dated 1813, presents a cultivated botanical specimen identified in the lower inscription as “Paeonia Daunica”. A broad crimson flower crowns the composition, its rounded petals gathered around a finely articulated yellow centre. Beneath it, overlapping leaves spread in several directions, their cool and warm greens carefully modulated against an almost white ground. The plant is at once luxuriant and disciplined: abundant foliage is contained within a spacious vertical arrangement, while smaller botanical details near the lower edge extend the study beyond the immediate splendour of the bloom.
Redouté was among the most accomplished botanical artists working in France during the late eighteenth and early nineteenth centuries. His studies united close observation with an exceptional sense of pictorial poise, giving specimens the clarity required of botanical records without sacrificing their ornamental character. This plate belonged to a publication devoted to rare plants cultivated at Malmaison and Navarre, estates closely associated with Joséphine de Beauharnais and the horticultural culture surrounding her. Such images documented plants valued for their rarity and cultivation while also addressing an audience for whom botany, collecting and refined visual culture were intimately connected.
A closer look
The principal flower occupies the upper centre, where saturated reds deepen between the folded petals and lighten along their softly curved edges. These subtle tonal changes prevent the bloom from reading as a flat emblem. Its yellow stamens form a concentrated, finely worked core, introducing a sharp contrast of colour and texture. Small irregularities in the petal contours preserve the sense of an observed living specimen rather than an idealised geometric form.
Below, the foliage provides the composition’s structural weight. Leaves overlap and turn at different angles, with prominent veins running through surfaces that shift from dark forest green to paler, yellow-tinged passages. Some project laterally, while others recede behind the central stems, creating depth without the aid of a landscape setting. The pale surrounding space is crucial: it isolates every serration, junction and change of direction, allowing the eye to follow the plant’s growth from stem to flower.
Near the bottom left, a smaller pale flower offers a quiet counterpoint to the dominant red bloom. Its elongated petals and delicate centre are rendered on a more intimate scale. At the lower right, two pod-like forms add another stage of botanical development, their faintly striated surfaces contrasting with the softness of the petals and the broad planes of the leaves. These peripheral elements are easy to overlook, yet they transform the plate from a flower portrait into a more extensive account of the specimen’s structures.
Context and significance
Early nineteenth-century botanical illustration occupied a productive space between science and art. The specimen had to be legible—its leaves, flowers and reproductive features clearly distinguished—but the plate also required compositional intelligence. Redouté’s particular distinction lies in how naturally those demands coexist. Here, the plant is neither crowded by explanatory detail nor stripped of its sensuous presence. Precise contours, restrained modelling and generous negative space make close study possible, while the concentrated red of the flower gives the page an immediate visual focus.
The result reflects a culture in which rare cultivated plants carried scientific, horticultural and social interest. Yet the plate remains compelling independently of that history: its drama is contained within the contrast between one full bloom, a dense architecture of leaves and the near-silence of the surrounding ground.
Choosing the right size and finish
Artwork can feel intimate at smaller sizes and dramatically more architectural at larger ones. Use the room preview, model image and size guide to see how the proportions and scale will work in your space.
If you need an exact size, specialist framing or help planning a larger display, ask our workshop for advice.
The model in the listing images is holding the 24x36in (60x90cm) version of this art print.
Where personalisation is available, you can add a short title or dedication, or one considered visual detail. See examples of personalised artwork.
Choose Original to retain the colour and character of the source artwork, or Aged for a warmer, more antique appearance. See examples of our Aged artwork.
Every piece is produced to archival standards using fade-resistant pigment inks on acid-free matte art paper. Choose an art print, framed art print or framed canvas using the finish options above.
Framed art prints use crystal-clear optical acrylic for excellent clarity, lower weight and safer delivery than glass. Each piece arrives professionally framed and ready to hang.
Selected artworks can be produced at statement sizes up to 3 metres (10ft). Custom sizing and specialist framing are also available. If the exact option you need is not listed, contact our workshop.
This artwork is also available as a float framed canvas, sometimes known as a shadow gap framed canvas or canvas floater. The work is printed on artist's cotton canvas and then stretched over a handmade box frame. We then "float" the canvas inside a wooden frame, which is available in a range of colours (black, dark brown, oak, antique gold and white). This is a wonderful way to present an art print without glazing in front. See some examples of float framed canvas art and explore the differences between my different finishes.
Pierre Joseph Redouté’s Plate 09 from Description des plantes rares cultivées à Malmaison et à Navarre, dated 1813, presents a cultivated botanical specimen identified in the lower inscription as “Paeonia Daunica”. A broad crimson flower crowns the composition, its rounded petals gathered around a finely articulated yellow centre. Beneath it, overlapping leaves spread in several directions, their cool and warm greens carefully modulated against an almost white ground. The plant is at once luxuriant and disciplined: abundant foliage is contained within a spacious vertical arrangement, while smaller botanical details near the lower edge extend the study beyond the immediate splendour of the bloom.
Redouté was among the most accomplished botanical artists working in France during the late eighteenth and early nineteenth centuries. His studies united close observation with an exceptional sense of pictorial poise, giving specimens the clarity required of botanical records without sacrificing their ornamental character. This plate belonged to a publication devoted to rare plants cultivated at Malmaison and Navarre, estates closely associated with Joséphine de Beauharnais and the horticultural culture surrounding her. Such images documented plants valued for their rarity and cultivation while also addressing an audience for whom botany, collecting and refined visual culture were intimately connected.
A closer look
The principal flower occupies the upper centre, where saturated reds deepen between the folded petals and lighten along their softly curved edges. These subtle tonal changes prevent the bloom from reading as a flat emblem. Its yellow stamens form a concentrated, finely worked core, introducing a sharp contrast of colour and texture. Small irregularities in the petal contours preserve the sense of an observed living specimen rather than an idealised geometric form.
Below, the foliage provides the composition’s structural weight. Leaves overlap and turn at different angles, with prominent veins running through surfaces that shift from dark forest green to paler, yellow-tinged passages. Some project laterally, while others recede behind the central stems, creating depth without the aid of a landscape setting. The pale surrounding space is crucial: it isolates every serration, junction and change of direction, allowing the eye to follow the plant’s growth from stem to flower.
Near the bottom left, a smaller pale flower offers a quiet counterpoint to the dominant red bloom. Its elongated petals and delicate centre are rendered on a more intimate scale. At the lower right, two pod-like forms add another stage of botanical development, their faintly striated surfaces contrasting with the softness of the petals and the broad planes of the leaves. These peripheral elements are easy to overlook, yet they transform the plate from a flower portrait into a more extensive account of the specimen’s structures.
Context and significance
Early nineteenth-century botanical illustration occupied a productive space between science and art. The specimen had to be legible—its leaves, flowers and reproductive features clearly distinguished—but the plate also required compositional intelligence. Redouté’s particular distinction lies in how naturally those demands coexist. Here, the plant is neither crowded by explanatory detail nor stripped of its sensuous presence. Precise contours, restrained modelling and generous negative space make close study possible, while the concentrated red of the flower gives the page an immediate visual focus.
The result reflects a culture in which rare cultivated plants carried scientific, horticultural and social interest. Yet the plate remains compelling independently of that history: its drama is contained within the contrast between one full bloom, a dense architecture of leaves and the near-silence of the surrounding ground.
Choosing the right size and finish
Artwork can feel intimate at smaller sizes and dramatically more architectural at larger ones. Use the room preview, model image and size guide to see how the proportions and scale will work in your space.
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The model in the listing images is holding the 24x36in (60x90cm) version of this art print.
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Every piece is produced to archival standards using fade-resistant pigment inks on acid-free matte art paper. Choose an art print, framed art print or framed canvas using the finish options above.
Framed art prints use crystal-clear optical acrylic for excellent clarity, lower weight and safer delivery than glass. Each piece arrives professionally framed and ready to hang.
Selected artworks can be produced at statement sizes up to 3 metres (10ft). Custom sizing and specialist framing are also available. If the exact option you need is not listed, contact our workshop.
This artwork is also available as a float framed canvas, sometimes known as a shadow gap framed canvas or canvas floater. The work is printed on artist's cotton canvas and then stretched over a handmade box frame. We then "float" the canvas inside a wooden frame, which is available in a range of colours (black, dark brown, oak, antique gold and white). This is a wonderful way to present an art print without glazing in front. See some examples of float framed canvas art and explore the differences between my different finishes.
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