Seated Nude II by August Macke, 1912
Œuvre d’art authentique
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Restaurée dans notre atelier londonien à partir de l’œuvre originale de 1912 et imprimée en qualité musée. Description complète
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Les configurations standard réalisées sur commande sont incluses. Les formats sur mesure, les créations personnalisées et les œuvres commissionnées sont exclus.
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Restauré à Londres • Imprimé et encadré en Australia
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August Macke’s Sitzender Akt II of 1912 places a seated nude within an unusually fluid field of colour. Positioned slightly left of...
Continuer la lectureAugust Macke’s Sitzender Akt II of 1912 places a seated nude within an unusually fluid field of colour. Positioned slightly left of centre, the figure leans gently forward, her body constructed from broad passages of rose, coral, peach and muted yellow rather than closely modelled flesh tones. Deep blue and green forms sweep around her, bringing the background onto much the same visual plane as the body. The result is at once vivid and composed: a study of the human figure transformed into an arrangement of interlocking curves, warm colour and rhythmic contour.
Painted during an intensely experimental period in German art, Sitzender Akt II belongs to Macke’s association with Der Blaue Reiter, the loose avant-garde group whose artists sought alternatives to naturalistic representation. Macke’s contribution to German Expressionism was distinguished by an especially luminous approach to colour and a strong sense of decorative order. Here, he reworks one of European art’s most established subjects—the nude—without relying on academic anatomy, conventional perspective or dramatic chiaroscuro. Colour itself carries the figure’s volume and presence.
A closer look
The painting’s vertical format is anchored by the long sweep of the seated body. Although centrally prominent, the figure is not symmetrically arranged: she occupies the central-left portion of the composition, while stronger concentrations of blue, green, orange and softened yellow gather around her. This imbalance gives the painting its movement. The eye follows the bend of the torso into the limbs, then travels outward through the curved shapes of the surrounding field.
Macke differentiates the body through abrupt but harmonious shifts of hue. The lighter pink of the arm stands clearly against a dark blue passage, while the thigh moves through yellow, warm pink and orange. Small touches of green appear within and around the lower limbs, visually binding the figure to her setting. Particularly striking is the bright blue contour at the edge of the hair: instead of producing a natural shadow, it acts as a crisp chromatic boundary, briefly separating head from background before the colours begin to flow together again.
The setting remains deliberately elusive. Swooping blue forms occupy the upper area, while the lower section softens into pink and peach; neither resolves into a fully described room or landscape. With little conventional shadow and no intricate background detail, spatial depth is compressed. Figure and surroundings consequently feel less like separate elements than parts of one decorative structure. Broad brushwork remains visible, yet the composition does not appear hurried: each colour patch has a clear role in balancing warmth against coolness and solid form against open movement.
Context and significance
The nude had long served European painters as a demonstration of anatomical knowledge and illusionistic modelling. Macke’s treatment reflects the early twentieth-century shift away from those expectations. Rather than carefully imitating the tones of skin, he uses colour expressively and structurally, allowing pinks, blues and greens to define the body with greater clarity than naturalism alone might provide. This flattening of form also gives the painting a modern graphic directness, while its rounded contours preserve an atmosphere of repose.
Within German Expressionism, such departures from observed colour were part of a wider reconsideration of what painting could communicate through its own formal language. Yet Sitzender Akt II is notably serene rather than agitated. Its intensity comes from chromatic contrast, not distortion for its own sake. The figure’s quiet pose, held amid those shifting planes of blue and green, reveals Macke’s ability to reconcile avant-garde simplification with balance, warmth and visual pleasure.
Choosing the right size and finish
Artwork can feel intimate at smaller sizes and dramatically more architectural at larger ones. Use the room preview, model image and size guide to see how the proportions and scale will work in your space.
If you need an exact size, specialist framing or help planning a larger display, ask our workshop for advice.
The model in the listing images is holding the 16x20in (40x50cm) version of this art print.
Where personalisation is available, you can add a short title or dedication, or one considered visual detail. See examples of personalised artwork.
Choose Original to retain the colour and character of the source artwork, or Aged for a warmer, more antique appearance. See examples of our Aged artwork.
Every piece is produced to archival standards using fade-resistant pigment inks on acid-free matte art paper. Choose an art print, framed art print or framed canvas using the finish options above.
Framed art prints use crystal-clear optical acrylic for excellent clarity, lower weight and safer delivery than glass. Each piece arrives professionally framed and ready to hang.
Selected artworks can be produced at statement sizes up to 3 metres (10ft). Custom sizing and specialist framing are also available. If the exact option you need is not listed, contact our workshop.
This artwork is also available as a float framed canvas, sometimes known as a shadow gap framed canvas or canvas floater. The work is printed on artist's cotton canvas and then stretched over a handmade box frame. We then "float" the canvas inside a wooden frame, which is available in a range of colours (black, dark brown, oak, antique gold and white). This is a wonderful way to present an art print without glazing in front. See some examples of float framed canvas art and explore the differences between my different finishes.
August Macke’s Sitzender Akt II of 1912 places a seated nude within an unusually fluid field of colour. Positioned slightly left of centre, the figure leans gently forward, her body constructed from broad passages of rose, coral, peach and muted yellow rather than closely modelled flesh tones. Deep blue and green forms sweep around her, bringing the background onto much the same visual plane as the body. The result is at once vivid and composed: a study of the human figure transformed into an arrangement of interlocking curves, warm colour and rhythmic contour.
Painted during an intensely experimental period in German art, Sitzender Akt II belongs to Macke’s association with Der Blaue Reiter, the loose avant-garde group whose artists sought alternatives to naturalistic representation. Macke’s contribution to German Expressionism was distinguished by an especially luminous approach to colour and a strong sense of decorative order. Here, he reworks one of European art’s most established subjects—the nude—without relying on academic anatomy, conventional perspective or dramatic chiaroscuro. Colour itself carries the figure’s volume and presence.
A closer look
The painting’s vertical format is anchored by the long sweep of the seated body. Although centrally prominent, the figure is not symmetrically arranged: she occupies the central-left portion of the composition, while stronger concentrations of blue, green, orange and softened yellow gather around her. This imbalance gives the painting its movement. The eye follows the bend of the torso into the limbs, then travels outward through the curved shapes of the surrounding field.
Macke differentiates the body through abrupt but harmonious shifts of hue. The lighter pink of the arm stands clearly against a dark blue passage, while the thigh moves through yellow, warm pink and orange. Small touches of green appear within and around the lower limbs, visually binding the figure to her setting. Particularly striking is the bright blue contour at the edge of the hair: instead of producing a natural shadow, it acts as a crisp chromatic boundary, briefly separating head from background before the colours begin to flow together again.
The setting remains deliberately elusive. Swooping blue forms occupy the upper area, while the lower section softens into pink and peach; neither resolves into a fully described room or landscape. With little conventional shadow and no intricate background detail, spatial depth is compressed. Figure and surroundings consequently feel less like separate elements than parts of one decorative structure. Broad brushwork remains visible, yet the composition does not appear hurried: each colour patch has a clear role in balancing warmth against coolness and solid form against open movement.
Context and significance
The nude had long served European painters as a demonstration of anatomical knowledge and illusionistic modelling. Macke’s treatment reflects the early twentieth-century shift away from those expectations. Rather than carefully imitating the tones of skin, he uses colour expressively and structurally, allowing pinks, blues and greens to define the body with greater clarity than naturalism alone might provide. This flattening of form also gives the painting a modern graphic directness, while its rounded contours preserve an atmosphere of repose.
Within German Expressionism, such departures from observed colour were part of a wider reconsideration of what painting could communicate through its own formal language. Yet Sitzender Akt II is notably serene rather than agitated. Its intensity comes from chromatic contrast, not distortion for its own sake. The figure’s quiet pose, held amid those shifting planes of blue and green, reveals Macke’s ability to reconcile avant-garde simplification with balance, warmth and visual pleasure.
Choosing the right size and finish
Artwork can feel intimate at smaller sizes and dramatically more architectural at larger ones. Use the room preview, model image and size guide to see how the proportions and scale will work in your space.
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The model in the listing images is holding the 16x20in (40x50cm) version of this art print.
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Framed art prints use crystal-clear optical acrylic for excellent clarity, lower weight and safer delivery than glass. Each piece arrives professionally framed and ready to hang.
Selected artworks can be produced at statement sizes up to 3 metres (10ft). Custom sizing and specialist framing are also available. If the exact option you need is not listed, contact our workshop.
This artwork is also available as a float framed canvas, sometimes known as a shadow gap framed canvas or canvas floater. The work is printed on artist's cotton canvas and then stretched over a handmade box frame. We then "float" the canvas inside a wooden frame, which is available in a range of colours (black, dark brown, oak, antique gold and white). This is a wonderful way to present an art print without glazing in front. See some examples of float framed canvas art and explore the differences between my different finishes.
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